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                    La fin des années trente est marquée par plusieurs innovations techniques: invention de la télévision, premier film parlant (Le chanteur de Jazz) et en couleurs (de G. Eastmann).
La citation de P. Valéry, utilise les termes de "nouveautés techniques". Le mot "technique", du grec tecnê (habilité, art...), est le synonyme d'art, au sens de savoir faire dont la mise en oeuvre permet d'obtenir "volontairement un résultat déterminé". Pourtant l'art du XX ème siècle ne cherche pas à avoir un résultat déterminé à l'avance. Ce peut-être le fruit du hasard, de recherches, d'expérimentations... L'invention de la photographie a aidé l'artiste à se libérer de sa technique pour pouvoir s'identifier plus à l'expression d'une nouvelle forme de création artistique. Nous verrons dans une première partie "les nouveautés techniques" en s'appuyant sur l'apparition de la photographie (nous utiliserons, surtout, les textes de W. Benjamin et de C. Baudelaire). Nous verrons aussi les différentes approches artistiques et techniques des oeuvres de la première moitié du XXème siècle. Dans un deuxième temps, nous insisterons sur les techniques et merveilles du monde de l'art dans la seconde partie de ce siècle. On remarquera ainsi la naissance d'un nouveau langage artistique, théorique...


                     L'art moderne s'élabore progressivement entre 1850 et 1914 à Paris, capitale intellectuelle et artistique du monde occidental. L'art officiel dominé par le classicisme et l'académisme rejette les avant gardistes qui, prenant en compte la révolution industrielle et scientifique, boulverse la vision du monde et de l'Homme héritée de la Renaissance. Le choc engendré par la première guerre mondiale sur les consciences et les esprits accentue cette révolution culturelle qui s'impose aux masses dans les nouveaux médias (presse, cinéma, radio...). Dans les années trente, face à la montée des tensions sociales et idéologiques, les intellectuels et les artistes ne peuvent rester indifférents.
La deuxième moité du XIXème est marquée par les nombreuses innovations techniques (l'invention de l'appareil photographique, le cinématographe...) et artistiques (Le romantisme, le réalisme, l'impressionnistes, le symbolisme et le début du cubisme). Ce siècle est marqué par la contestation académique de l'art jusqu'à, plutard, refuser la technique, la représentation, le sujet, les supports...
L'invention de la photographie déclenche chez les peintres une remise en question. Redoutable concurrente elle les oblige à repenser leur métier. Cependant cette rivalité va les libérer du problème de la ressemblance. Les artistes repensent leur "vision" non pas en terme de vraissemblance, mais plutôt comme un nouveau territoire poétique, symbolique ou, philosophique. De ce fait, la pratique de la photographie se démocratise.
      Dans un texte intitulé, Le public moderne et la photographie, Baudelaire critique l'usage de cette nouvelle technique et conteste sa place au sein de notre société. Elle s'impose et prend la place d'artistes doués d'un certain savoir faire. Il s'insurge sur le fait que la photographie soit considérée comme un art et qu'elle pourrait prendre la place de la peinture... "Comme l'industie photographique était le refuge de tous les peintres manqués, trop mal doués ou paresseux pour achever leurs études. cet universel engouement portait non seulement le caractère de l'aveuglement et de l'imbécilité, mais aussi de la couleur d'une vengeance". Celle-ci n'est pourtant que le fruit d'une industrie et donc d'une mécanique. Et selon  J. Thélot, " La photo est un évenement moderne parce qu'elle met en place des oppositions claires: la technique contre l'art et la tradition" (La photographie comme fleur du mal) c'est-à-dire le développement et l'industrialisation de l'image contre l'autorité de la peinture. Ainsi on pourrait craindre que Baudelaire soit contre un système évolutif de la pensée artistique, par la photographie, qu'il y est une "dénaturation" de l'art par un procédé technique qui ne vaut pas le talent de l'artiste peintre, sculpteur... Pourtant, il écrit plus loin "La poésie et le progrès sont deux ambitions qui se haïssent d'une haine instinctive, et, quand ils se rencontrent dans le même chemin, il faut que l'un deux servent l'autre". Il s'y intéresse tout de même puisqu'il considère qu'il peut y avoir un rapport entre photo et poésie, (appuyons ici l'intérêt de l'amitié entre Nadar et Baudelaire) l'industrie vouée à "la reproduction, pouvait se mettre au service de l'art pictural comme autrefois l'imprimerie c'était mise au service de la poésie."(Pierre Damien Huyghe). Il faudra attendre les années vingt pour que la photographie franchisse la barrière qui la sépare du domaine de l'art. Ce sont les dadaïstes, puis les surréalistes ces dynamiteurs de codes, qui, en la mettant à l'épreuve de leurs interventions sauvages, l'introduiront dans "le saint des saints": surimpressions, solarisations, photomontages, collages, jeux optiques... La détourner de sa fidélité au réel en lui donnant une dimension onirique ou force graphique inégalable. Parallèlement, au milieu des années trente, on assiste avec W. Benjamin et L'oeuvre d'art à l'époque de sa reproductibilité technique, à une nouvelle conception de la pensée photographique, différente de celle de Baudelaire puisqu'il ne dénigre pas le fait d'un progrès réel. Mais plutot dans la façon de s'en servir. Avec la reproduction, comment différencier une oeuvre d'art original et son double. Il dresse la critique de la perte de "l'aura"; l'oeuvre perd ses caractéristiques fondamentales et de son authenticité. La notion de "original" est mis en péril avec la naissance du cinéma et de la photographie et on assiste à une modification de l'idée qu'on se fait de l'art, de ces techniques et donc de sa reproduction. La peinture ne bénéficie pas de son double puisque c'est une réalisation unique ("l'original conserve son autorité"), à l'opposé de la photographie qui de part son négatif est reproductible à "l'infini",    " le peintre est congédié par son technicien". Au fur et à mesure on constate dans, Petite histoire de la photographie, qu'une forme de commercialisation s'installe autour de l'appareil photographique. La poésie, le mystère, la beauté des premiers clichés de Nadar ou d'Atget, laisse la place aux albums-photos où l'on voit "Gertrude quand elle était petite, papa en première année de fac..." Benjamin parle de la chasse aux clichés, un certain besoin de possession commence à intégrer l'esprit de tous. Il cite L. Lichtwark "Il n'est à notre époque aucune oeuvre d'art que l'on considère aussi attentivement que sa propre photo, celle de ses proches, de ses amis ou de la femme aimée". Il n'y a plus de réelle distinction esthétique, sociale, ou artistique; ("l'oeuvre d'art" est accessible à tout ceux qui détiennent un appareil photographique).  Il décrit la généralisation de la production, à grande échelle, des oeuvres d'art, qui marque une véritable mutation dans l'histoire de l'art. Aujourd'hui, sur le point d'être totalement désacralisée, l'oeuvre a perdu de son "aura" c'est-à-dire l'unicité et la magie qui la définissait. "Si l'image traditionnelle se caractérisait par l'unicité et la durée, la reproduction est fugacité et répétition. Le phénomène de reproductibilité prend un double sens : les techniques de reproduction modifient la réception des oeuvres du passé, mais surtout les nouvelles techniques de production d'images et de sons s'imposent comme des formes nouvelles d'art : la photographie et le cinéma sont, si l'on peut dire, reproductibles par essence et non par accident". L'unicité est une des propriétés fondamentales qui font la valeur de l'oeuvre d'art. Lorsqu'elle est mise en danger par l'évolution des techniques, "mécanismes régulateurs" interviennent pour conserver à l'oeuvre d'art son originalité, c'est-à-dire sa rareté.

              L'art au début du XXème siècle boulverse et surprend un public accoutumé à un genre pictural et littéraire plus conventionnel et plus acédémique. Autrefois, les peintres se réclamaient d'un maître et l'apprentissage passait par la transmission d'une technique. A l'inverse, par définition, l'avant garde cultive le mythe de la "table raze". Elle transgresse les règles rejette le passé, remet volontier en question les valeurs traditionnelles. On voit s'organiser une nouvelle façon de pensée et donc des nouvelles techniques dans l'art du début du XXème siècle. Innovations dans le sens où l'art n'est plus le reflet du réel, figé, dans un cadre délimité; la peinture n'est plus une surface plane, n'a plus vraiment une réelle logique d'imitation. Picasso montre, avec Nature morte à la chaise cannée en 1912, qu'un objet quelconque peut, par l'intérêt que représente sa structure, sa matière ou sa couleur, remplacer les matériaux nobles utilisés autrefois. C'est dans cet esprit de totale liberté que Picasso réalise, par exemple, une tête de taureau avec une selle et un guidon de vélo... Le collage abolit la distance qui sépare la peinture à la sculpture en introduisant le volume à la surface d'un tableau et en contribuant à la réalisation d'oeuvres hétéroclytes en trois dimensions.
 L'artiste se libère et devient plus autonome, utilisant ainsi divers moyens pour y parvenir: la déformation, le mouvement, de nouvelles représentations de l'espace, un rejet de la "forme close", apparition de nouveaux matériaux... autant d'idées qui viennent à l'esprit de ces nouveaux "penseurs" du 20eme siècle.
      Avec l'amorce des futuristes (venue de la vie industrielle dans l'art, le mouvement, l'évolution "positive de l'homme dans sa technique"...) on assiste a une nouvelle forme d'art, celle de l'industrie, de la violence, de la vitesse, "du coup de poing"... Tous semblent rejeter le statique au profit de la vitesse et ils s'insurgent contre Baudelaire qui écrit ce vers célèbre " Je hais le mouvement qui déplace les lignes. " lls souhaitent fixer de manière quasi outrancière une représentation simultanée sur la rétine dans une mise en page presque cinématographique. Les plans sont resserrés sur les sujets, répétés à l'infini, dans un choc visuel faisant appel à la mise en scène et à des plans différents pour amener le spectateur à regarder dans tous les sens, comme s'il était désaxé. Parallèlement, Marcel Duchamp dont l'activité picturale résulte d'une méditation philosophique, veut détruire tout ce qui est relié à un art traditionnel. L'inattendu côtoie le monde scientifique et il utilise cela pour créer un univers de révolte où le génie se joue du dérisoire. La Roue de bicyclette, 1913, juchée sur un tabouret semble narguer les valeurs établies et parler de l'absurdité et de la réalité du monde à venir. Il introduit, à son époque, une nouvelle forme de contemplation, tout savoir faire ainsi que tout plaisir esthétique lié à la perception, s'annulent. On arrive à une période de dépassement du contexte même de l'oeuvre d'art. On assiste a une forme de désacralisation de l'objet qui implique une nouvelle relation avec celui-ci. Cette nouvelle forme artistique amène donc a changer notre regard, il n'y a plus de conformité visuelle. Le spectateur se retrouve face à ses sentiments, ses émotions du moments; d'après M. Duchamp, "c'est le regardeur qui fait l'oeuvre". Il introduit la notion de "présence obligatoire" du public. En effet, il ne se retrouve plus dans le monde muet et enfermé des toiles, il sort de son "anesthésie". Il veut rompre avec les attentes conventionnelles du public, il veut sonder ces limites, le mettre a l'épreuve dans sa compréhésion du monde et dans sa relation aux autres. Il est appelé à adopter une attitude active,  par son regard et sa réflexion critique qu'il donnera vie a l'idée de l'artiste.
      L'art devient un processus, il met l'accent sur l'individu en tant que sujet qu'il convient de replacer dans le contexte d'une nouvelle image de l'homme née de la biologie moderne (théorie évolutionniste de Darwin); de la psychanalyse (Freud); et de la philosophie (existantialisme et phénoménologie). Le spectateur est souvent interloqué pour ne pas dire choqué, en regardant des oeuvres qui se réduisent, semble-t'il, à un tableau au fond monochrome, ou encore une roue de vélo sur un tabouret de cuisine... Si le spectateur ne comprend pas la démarche qui, chez l'artiste a mené a ces oeuvres, il les regardera avec peu de tolérance. De surcroit, même s'il connait cette démarche, mais n'éprouve pas de plaisir esthétique, il sera peu indulgent et peu enclin à les considérer comme oeuvre d'art. Pourtant tout l'intérêt réside la dessus: la remise en cause  de la conception classique de l'oeuvre. Cet art est une nouvelle création de l'esprit humain qui se caractérise par une liberté de l'expression. C'est ainsi dénoncer un statut dérisoire, voire effrayant, de l'art; il le montre en exposant Fontaine (1917). Il investit l'artiste du pouvoir de "substituer la présentation à la représentation". Le ready-made libère l'artiste de l'obligation du savoir faire, et sous entend que l'idée prévaut sur le résultat final et remet au gout du jour L de Vinci qui définissait l'art comme "causa mentale". Cela implique que l'oeuvre  doit tendre a une forme d'élévation de l'esprit,  " la délectation de l'oeil succède à celle de l'esprit". Elle n'est plus considérée comme belle mais intelligente. Les formes, les couleurs, les matériaux et les cadrages n'ont plus la même signification, ils correspondent a un nouveau langage, une nouvelle théorie. Le "sculpteur machine" Jean Tinguely utilise des matériaux de récupération auxquels il redonne vie en utilisant des moteurs pour les animer. Il refuse le culte de l'objet neuf produit par une société de consommation. On parle d'une avancée technique de l'oeuvre et de son contexte social. La mécanique oscille entre art et artisanat; et entre savoir-faire et langage. Cela ne relève guère du métier traditionnel dont la maitrise force le respect. Ce procédé signe la naissance d'un changement esthétique et éthique dont découle la majorité des démarches actuelles.
En effet, l'art évolue dans la technique; c'est-à-dire que les nouvelles formes artistiques s'épanouissent en fonction de notre société. Au niveau cinématographique, rappelons qu'en 1928 sortait Un chien Andalou de Luis Bunuel qui montrait l'irrationnalité des images tout à fait dans l'esprit surréaliste. Le monde cinématographique n'est plus au service d'un récit linéaire, mais devient un art de filmer, un rêve, une sensation... C'est dans les années vingt où l'on commence à voir et à comprendre que le cinéma peut servir la cause de l'art à la même echelle de la toile du peintre. L'écran devient une peinture abstraite en mouvement, en un temps donné et perçu par le regard du spectateur; citons les oeuvres de Hans Richter, W Ruttmann...
       "La technologie constitue une des clés [...] de toute activité artistique. C'est à la fois un moyan et un obstacle à l'expression de nos idées. Cette tension est tout à fait vitale pour toute ouevre d'art". Dans le domaine artistique, les avancées technologiques amènent à repenser le rapport du créateur à la technique. Certains pensent que le numérique dépossède le créateur de sa singularité et réduit l’acte de création à des automatismes maciniques. Sur la question de la singularité on retrouve le rapport de la subjectivité de l'artiste face à l'objectivité de la technique. Elle est un moyen, un outil, "un mode de production". L'artiste contrôle et manipule ces tecniques mais il est aussi, en même temps, façonné, modelé à son insu par celles-ci puisqu'elles manipulent sa perception au monde. C'est que la technique, d'autant quand plus quand il s'agit de techniques figuratives, est également un "un mode de perception", elle oblige une certaine façon de voir, de concevoir, qui peut arriver à dépersonnaliser l'artiste, puisque ce mode de perception est impersonnel. Toute personne utilisant ces nouvelles techniques devra s'y conformer, apprendre à la maîtriser, la contrôler. Cependant, rajoutons que chacun de ces modes de création imposent de nouveaux codes, de nouvelles règles et des possibilités inhérentes à celles-ci. Il est vrai que l'artiste, des nouvelles technologies, doit passer le plus clair, voir obscur, de son temps devant son ordinateur avce une mobilité extrêmement réduite. La technique est un moyen, elle est intéressante et utilisée pour ce qu'elle permet ou pas. Chaque avancée technologique est une révolution en soi puisqu'elle amène quelque chose de nouveau, rendant les autres moyens caducs. Comme l'avènement de l'éclairage qui fut une révolution totale pour le théâtre et permis d'enterrer rampes, lustres, bougies... de la scène.
A partir des années soixante, grandit la notion d'art vidéo; la vidéo en tant qu'expression artistique naît de la rencontre de plasticiens, d'ingénieurs, et de directeurs de chaînes de télévision qui recherchent de nouvelles possibilités d'utilisation du médium vidéo. En effet, l'image omniprésente dans le monde de l'après guerre se voit manipuler, tranformer à des fins artistiques. Nam June Paik, artiste contemporain a contribué au développement de l'art vidéo avec ses installations, performances... Sans relation précise dans une linéarité, l'artiste dénonce notre société de consommation et individualiste. Il le met avant dans Boudha regardant la télé, l'artiste coréen nous montre un boudha authentique regardant sa propre image, simultanément, sur un poste de télévision. Le pixel de la vidéo, ou du numérique, empreintre le rôle de la matière picturale; c'est-à-dire la peinture, élément primaire, que le peintre dépose sur sa toile (tracet, reflet...) est repris par l'élément virtuel de la pixelisation. Des artistes comme J. Kosuth, B. Nauman, T. Kuntzel ou bien Dan Flavin utilise l'amorce du travail sur la vidéo pour en fait ne prendre qu'un élément essentiel: la lumière. La représentation de la lumière, source de toute expérience visuelle, a souvent constitué pour les peintres, une épreuve de vérité. Pour les artistes de la nouvelle technologie, elle est un matériaux physique réel, traité et exposé en tant que tel.

         "La peinture est une fenêtre ouverte sur le monde", l'art n'est qu'un point de vue subjectif. C'est l'Homme qui peind le monde et le façonne à sa manière, à son image. Si l'art n'est que la vision du monde par l'homme dans un cadre conjugant le temps et l'espace; l'art et la société ne font qu'un. L'art est alors un symbole de l'Être au sein du monde et le langage, donné à l'artiste, pour le donner à voir aux spectateurs.
La peinture, tout au long de l'histoire, est la vision de l'artiste sur son monde et son évolution. Il suit ainsi son temps comme le montre l'histoire de l'art (ainsi, on peut affirmer que l'art nécessite la durée).
La technique va apporter du "merveilleux" dans l'art, elle amène en permanence des possibilités jugées impossibles auparavant. C'est un domaine qui remet en cause notre rapport à l'image, à la réalité et c'est par là plus qu'un simple outil, plus qu'un moyen pour l'artiste... c'est aussi un domaine de réflexion, un lieu de recherches. L'art n'est plus le fantasme de la peinture mais devient de la réalité imputée au réel (art photographique et vidéos)

Il est à peine minuit et une idée me démange... Pourquoi ne pas créer un blog sur le cinéma? Par la même occasion cela me permet d'en garder une trace "au cas où"...
Donc voilà, je vais mettre en ligne mes analyses et certaines critiques de films.  Je ne me pose pas comme une fine plume de la critique du Cinéma; je veux seulement mettre par écrit mon point de vue.
Que ça plaise ou non... et bien je m'en fou!
Ca me permettra peut-être de voir évoluer mes goûts, enfin si j'arrive à le tenir régulièrement!

Essayons...